El primer single del último disco de Cómplices se titula 'Nada es para siempre' y en él se han dejado acompañar por Pignoise
Qué mejor manera de celebrar los 20 años de carrera musical que editando un disco de homenaje a los cientos de miles de fans que los han seguido desde los años 80, y más si el primer sencillo lo entonan junto a una de las bandas más populares del momento: Pignoise. Ahora ya podéis ver el vídeo correspondiente a la canción, donde aparecen los componentes de ambos grupos de paseo mientras cantan la melodía roquera.
Os recordamos que en este disco no sólo participan Pignoise, sino también El Sueño de Morfeo, Diana Navarro o Mónica Naranjo, entre otros, todos ellos haciendo versiones de las mejores canciones del dúo Cómplices.
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sábado, 11 de diciembre de 2010
Jennifer Lopez se ve chantajeada por su ex
La cantante y actriz vuelve a temblar tras recibir las amenazas de su ex marido de sacar a la luz pública unos vídeos X caseros en los que se los ve en situaciones comprometidas
El modelo Ojani Noa, ex marido de J-Lo, ha anunciado que tiene en su poder aproximadamente unas 20 horas de vídeo en las que se ve a Jennifer como Dios la trajo al mundo. Inluso aparece conduciendo una Scooter mientras habla por teléfono y enseña sus vergüenzas a todos los que se pasean por la calle en ese momento.
Al menos eso ha revelado el representante del cubano, quien no quiere más que desmoronar la nueva imagen que tiene Jennifer desde que se casó con el cantante Marc Anthony. Además, le pide dinero para cerrar su boquita y desaparecer del panorama.
Mientras todo esto pesa sobre sus espaldas, J-Lo se ha unido al proyecto encabezado por Denzel Washington "Boys And Girls Clubs Of America" como la primera mujer que da voz a esta iniciativa, que se encarga de ayudar a los niños sin futuro de América.
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El modelo Ojani Noa, ex marido de J-Lo, ha anunciado que tiene en su poder aproximadamente unas 20 horas de vídeo en las que se ve a Jennifer como Dios la trajo al mundo. Inluso aparece conduciendo una Scooter mientras habla por teléfono y enseña sus vergüenzas a todos los que se pasean por la calle en ese momento.
Al menos eso ha revelado el representante del cubano, quien no quiere más que desmoronar la nueva imagen que tiene Jennifer desde que se casó con el cantante Marc Anthony. Además, le pide dinero para cerrar su boquita y desaparecer del panorama.
Mientras todo esto pesa sobre sus espaldas, J-Lo se ha unido al proyecto encabezado por Denzel Washington "Boys And Girls Clubs Of America" como la primera mujer que da voz a esta iniciativa, que se encarga de ayudar a los niños sin futuro de América.
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Natalia Jiménez ya tiene fecha para su disco
Durante el primer trimestre del año que viene, la ex cantante de La Quinta Estación editará su primer disco en solitario
Llevábamos varios meses escuchando rumores acerca de su nuevo trabajo después de dejar el grupo que le dio la fama y del que fue cofundadora. Ahora se confirma que el disco estará listo para 2011; según lo previsto en marzo ya lo podremos escuchar.
Además, en una reciente entrevista para la Associatted Press, la cantante aseguraba que el disco seguirá con el estilo al que nos tiene acostumbrados: "No voy a hacer cosas muy diferentes. Voy a seguir haciendo pop-rock y demás, igual, y meto un poquito de latino, un poco más de mariachis y, bueno, les va a encantar".
De momento lleva compuestas nueve canciones y ha adelantado que espera que para enero ya se pueda escuchar el primer single promocional.
En la misma entrevista habló de la necesidad que tenía cada uno de los ex integrantes de La Quinta Estación de hacer cada uno sus proyectos: "Llevábamos ya ocho años haciendo discos, y uno detrás del otro, y ya ha llegado un momento en que hemos dicho: 'Oye, tío, ¿por qué no paramos y hacemos otras cosas?".
Así pues, los fans del grupo tendrán que esperar para verlos juntos de nuevo, ya que cada uno ha cogido caminos diferentes.
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Llevábamos varios meses escuchando rumores acerca de su nuevo trabajo después de dejar el grupo que le dio la fama y del que fue cofundadora. Ahora se confirma que el disco estará listo para 2011; según lo previsto en marzo ya lo podremos escuchar.
Además, en una reciente entrevista para la Associatted Press, la cantante aseguraba que el disco seguirá con el estilo al que nos tiene acostumbrados: "No voy a hacer cosas muy diferentes. Voy a seguir haciendo pop-rock y demás, igual, y meto un poquito de latino, un poco más de mariachis y, bueno, les va a encantar".
De momento lleva compuestas nueve canciones y ha adelantado que espera que para enero ya se pueda escuchar el primer single promocional.
En la misma entrevista habló de la necesidad que tenía cada uno de los ex integrantes de La Quinta Estación de hacer cada uno sus proyectos: "Llevábamos ya ocho años haciendo discos, y uno detrás del otro, y ya ha llegado un momento en que hemos dicho: 'Oye, tío, ¿por qué no paramos y hacemos otras cosas?".
Así pues, los fans del grupo tendrán que esperar para verlos juntos de nuevo, ya que cada uno ha cogido caminos diferentes.
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jueves, 2 de diciembre de 2010
Dj Sharam en Piso 30
Sharam Tayebi es un dj iraní-estadounidense que fue parte del proyecto Deep Dish. Este importante dj ha mezclado para artistas como Michael Jackson, Madonna, Rolling Stones, Justin Timberlake, Eminem, Tina Turner, Dido; e incluso trabajo al lado de Shakira mezclanado el himno del mundial, 'Waka, Waka'. el tiempo
Gale
El grupo Galé es liderado por Diego Galé percusionista de renombre internacional, ex integrante del Grupo Niche. Tras reunir un buen número de músicos tropicales, reconocidos localmente, forma la agrupación en marzo de 1989, enfocada en combinar la salsa de la vieja escuela con la que se estaba haciendo en Colombia.el tiempo
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la 33
La 33 es una agrupación colombiana que lleva más de 10 años tocando y componiendo Salsa clásica, Boogaloo, Guaguancó, Timba y Latin Jazz, desde su creación han cautivado a la comunidad nocturna colombiana con un repertorio de lo mejor. el tiempo
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sábado, 25 de septiembre de 2010
Ye-yé
Ye-yé fue un término tomado del francés, que a su vez lo había tomado del inglés "yeah-yeah", para denominar un tipo de música pop de ritmo acelerado. El origen está en una fusión de música americana de principios de los 60, como el twist, y británica, como la música beat.
Concha Velasco, cantante y actriz, lanzó el estilo en su película de 1965 La chica ye-yé, aunque hubiera habido éxitos anteriores de cantantes femeninas como los de Karina (1963). En un principio las cantantes imitaban a las francesas, a su vez una imitación del pop y el rock británico y americano. Sin embargo, flamenco y otros ritmos llevaron a un sonido característico propio. De esta primera hornada de cantantes pop españoles, la que tenía un sonido más español fue Rosalía en su canción "Flamenco" de 1965. Es a partir de esta fecha, cuando surge el rock de Miguel Ríos. wikipedia
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Concha Velasco, cantante y actriz, lanzó el estilo en su película de 1965 La chica ye-yé, aunque hubiera habido éxitos anteriores de cantantes femeninas como los de Karina (1963). En un principio las cantantes imitaban a las francesas, a su vez una imitación del pop y el rock británico y americano. Sin embargo, flamenco y otros ritmos llevaron a un sonido característico propio. De esta primera hornada de cantantes pop españoles, la que tenía un sonido más español fue Rosalía en su canción "Flamenco" de 1965. Es a partir de esta fecha, cuando surge el rock de Miguel Ríos. wikipedia
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Música pop española
La música pop española tiene sus comienzos a finales del régimen de Franco. A finales de los años 1950 una generación de músicos y cantantes que habían vivido la Guerra Civil habían empezado a retirarse. Al mismo tiempo la música británica y norteamericana, en especial el rock and roll, empezaban a influir al público español.
El Festival de la Canción de Benidorm empezó en 1959 en Benidorm, una ciudad costera, para intentar atraer al turismo local. Se inspiró en el Festival de San Remo y fue seguido por una serie de festivales musicales similares en Barcelona, Mallorca y las Islas Canarias. Las primeras estrellas de la canción pop española eran todas mujeres y llegaron a la fama gracias a estos festivales. Excepción se pueden considerar a Raphael, primer idolo de música popular y servido por una prodigiosa voz y Julio Iglesias, un jugador del Real Madrid que se ha hecho famoso mundialmente, siendo el cantante español que más discos ha vendido (más de 250 millones).
Los años 60 y 70 fueron una época de florecimiento cultural (los años del desarrollo). El turismo se expandió, trayendo más estilos musicales de Europa y el mundo. wikipedia
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El Festival de la Canción de Benidorm empezó en 1959 en Benidorm, una ciudad costera, para intentar atraer al turismo local. Se inspiró en el Festival de San Remo y fue seguido por una serie de festivales musicales similares en Barcelona, Mallorca y las Islas Canarias. Las primeras estrellas de la canción pop española eran todas mujeres y llegaron a la fama gracias a estos festivales. Excepción se pueden considerar a Raphael, primer idolo de música popular y servido por una prodigiosa voz y Julio Iglesias, un jugador del Real Madrid que se ha hecho famoso mundialmente, siendo el cantante español que más discos ha vendido (más de 250 millones).
Los años 60 y 70 fueron una época de florecimiento cultural (los años del desarrollo). El turismo se expandió, trayendo más estilos musicales de Europa y el mundo. wikipedia
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la musica en españa Del siglo XVIII al XX
Hacia finales del siglo XVII la música española imitó los modelos italianos de la época, siendo importante la influencia de los italianos Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini y Gaetano Brunetti, residentes en la corte madrileña. De corta vida, el compositor Juan Crisóstomo de Arriaga ejemplifica la última etapa del clasicismo y el inicio del romanticismo sinfónico.
Además de una importante literatura para guitarra creada por Dionisio Aguado y García, Fernando Sor, Francisco Tárrega y Miguel Llobet, destacaría el magisterio de los violinistas Jesús de Monasterio y Pablo Sarasate.
Una forma musical que se desarrolló a principios del siglo XVII fue la zarzuela, una forma popular de ópera. Entre los principales compositores dentro de este género se hallan Francisco Asenjo Barbieri, Ruperto Chapí, Federico Chueca y Tomás Bretón.
Entre los compositores posteriores al romanticismo destacan Felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina, Manuel de Falla, Jesús Guridi, Óscar Esplá, Federico Mompou, Salvador Bacarisse, Ernesto Halffter, Xavier Montsalvatge, Pablo Sorozábal Joaquín Rodrigo y Roberto Gerhard. wikipedia
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Además de una importante literatura para guitarra creada por Dionisio Aguado y García, Fernando Sor, Francisco Tárrega y Miguel Llobet, destacaría el magisterio de los violinistas Jesús de Monasterio y Pablo Sarasate.
Una forma musical que se desarrolló a principios del siglo XVII fue la zarzuela, una forma popular de ópera. Entre los principales compositores dentro de este género se hallan Francisco Asenjo Barbieri, Ruperto Chapí, Federico Chueca y Tomás Bretón.
Entre los compositores posteriores al romanticismo destacan Felipe Pedrell, Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina, Manuel de Falla, Jesús Guridi, Óscar Esplá, Federico Mompou, Salvador Bacarisse, Ernesto Halffter, Xavier Montsalvatge, Pablo Sorozábal Joaquín Rodrigo y Roberto Gerhard. wikipedia
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miércoles, 22 de septiembre de 2010
Los años 90 en el blues de andalucia
En la década de 1990, se consolida la escena de blues andaluz, con la aparición de algunas bandas de interés, entre las que destaca Arrajatabla, una banda de fusión con el flamenco, impulsada por Raimundo Amador y el antiguo guitarrista del grupo Guadalquivir, Luis Cobo, El Manglis, aunque tiene una corta vida. Graban un sólo disco, fundamental en la evolución del blues andaluz: Sevilla blues (Fonomusic, 1992). En estos años, se editan también algunos de los discos más interesantes del blues nacional, como Alameda Sessions de Caledonia Blues Band,[5] o Negro en tierra de blancos de la Blues Band de Granada,[6] ambos para el sello andaluz Big Bang, produciéndose además la incorporación a la escena regional de nuevas bandas, como Los Perkins, Southern Cats, Blues Machine (después llamados Blues Blasters), Los Lagartos, Blues de Garrafa... wikipedia
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Los años 80 en el blues de andalucia
Con el comienzo de la década de los 80, aparece uno de los grupos emblemáticos del blues-fusión andaluz, Pata Negra, liderada por Raimundo Amador, que había estado en el grupo Veneno, y su hermano Rafael. La banda realiza un blues-rock organizado sobre conceptos flamencos, que ya en su primer disco (Pata Negra, 1981) dio un tema de mucha proyección (El blues de los niños). No obstante, será su cuarto álbum, Blues de la frontera, el que marque la cota de lo que ellos llamaron blueslerías (por blues y bulerías). La aparición de este disco, dio impulso a la escena subterránea del blues andaluz, con el surgimiento de algunas de las bandas señeras del mismo: Caledonia Blues Band, que había sido creada en 1986 por el armonicista Mingo Balaguer y el guitarrista Lolo Ortega; Entresuelos, una banda impulsada por el guitarrista Charlie Cepeda; Algeciras Blues Express, etc... La formación de bandas similares en otros lugares de la Comunidad, como Lito Blues Band, en Málaga, o La Blues Band de Granada, en esta ciudad, permitió a la crítica hablar del Guadalssissipi, como referencia al papel esencial de ambos ríos y su relación con el blues.[3] Todo ello, se enmarcaba en un boom del blues a nivel nacional, que dio lugar a la aparición de clubes, revistas y bandas, especialmente en Andalucía, Cataluña y Madrid.[4] A este despegue contribuyó, de forma decisiva, la aparición de sellos discográficos como Cambayá Records, malagueños, especializados en el género. wikipedia
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jueves, 16 de septiembre de 2010
El Antiflamenquismo de la Generación del 98
El flamenquismo, definido por la Real Academia Española como la "Afición a las costumbres flamencas o achuladas", es un cajón de sastre conceptual donde caben el cante flamenco y la afición a los toros, entre otros elementos castizos españoles. Estas costumbres fueron fuertemente atacadas por la Generación del 98, siendo todos sus miembros "antiflamenquistas", a excepción de los hermanos Machado, pues Manuel y Antonio, al ser sevillanos e hijos del folclorista Demófilo, tenían una visión más compleja del asunto.
El paladín del antiflamenquismo fue el escritor madrileño Eugenio Noel, quien en su juventud había sido un casticista militante. Noel atribuyó al flamenco y la tauromaquia el origen de los males de España. A su entender, la ausencia de estas manifestaciones culturales en los modernos estados europeos, parecían traducirse en un mayor desarrollo económico y social. Estas consideraciones hicieron que se estableciera durante décadas una grieta insalvable entre el flamenco y la mayor parte de la intelectualidad.
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El paladín del antiflamenquismo fue el escritor madrileño Eugenio Noel, quien en su juventud había sido un casticista militante. Noel atribuyó al flamenco y la tauromaquia el origen de los males de España. A su entender, la ausencia de estas manifestaciones culturales en los modernos estados europeos, parecían traducirse en un mayor desarrollo económico y social. Estas consideraciones hicieron que se estableciera durante décadas una grieta insalvable entre el flamenco y la mayor parte de la intelectualidad.
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Los Cafés Cantantes
Los cafés cantantes eran locales nocturnos donde los espectadores podían beber copas a la vez que disfrutaban de espectáculos musicales. En ellos frecuentemente se producían desmanes de todo tipo, por lo que la mayoría de la población vivía de espaldas a ellos.
Según publicó en sus memorias el cantaor Fernando de Triana ya en 1842 existía un café cantante, que fue reinaugurado en 1847 bajo el nombre de Los Lombardos, como la ópera de Verdi. Sin embargo, por aquel entonces los distintos cantes e intérpretes estaban bastante desconectados entre sí. En 1881 Silverio Franconetti, cantaor de extenso repertorio y grandes dotes artísticas, abrió el primer café cantante flamenco. En el café de Silverio los cantaores estaban en un ambiente muy competitivo, pues al propio Silverio le gustaba retar en público a los mejores cantaores que pasaban por su café.
La moda de los cafés cantantes permitió el surgimiento del cantaor profesional y sirvió de crisol donde se configuró el arte flamenco. En ellos los payos aprendían los cantes de los gitanos, mientras que estos reinterpretaban a su estilo los cantes folclóricos andaluces, ampliándose el repertorio. Asimismo el gusto del público contribuyó a configurar el género flamenco, unificándose su técnica y su temática.
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Según publicó en sus memorias el cantaor Fernando de Triana ya en 1842 existía un café cantante, que fue reinaugurado en 1847 bajo el nombre de Los Lombardos, como la ópera de Verdi. Sin embargo, por aquel entonces los distintos cantes e intérpretes estaban bastante desconectados entre sí. En 1881 Silverio Franconetti, cantaor de extenso repertorio y grandes dotes artísticas, abrió el primer café cantante flamenco. En el café de Silverio los cantaores estaban en un ambiente muy competitivo, pues al propio Silverio le gustaba retar en público a los mejores cantaores que pasaban por su café.
La moda de los cafés cantantes permitió el surgimiento del cantaor profesional y sirvió de crisol donde se configuró el arte flamenco. En ellos los payos aprendían los cantes de los gitanos, mientras que estos reinterpretaban a su estilo los cantes folclóricos andaluces, ampliándose el repertorio. Asimismo el gusto del público contribuyó a configurar el género flamenco, unificándose su técnica y su temática.
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El Casticismo
En 1783 Carlos III promulgó una pragmática que regulaba la situación social de los gitanos. Esto fue un hecho trascendental en la historia de los gitanos españoles que, tras siglos de marginación y persecuciones, vieron cómo su situación jurídica mejoraba sustancialmente.
Tras la Guerra de Independencia Española (1808-1812) se desarrolló en la conciencia española un sentimiento de orgullo racial, que contrapone al ilustrado afrancesado la fuerza telúrica del majo, arquetipo del individualismo, la gracia y el casticismo. En ese ambiente triunfa la moda cañí, pues el casticismo ve en el gitano un modelo ideal de ese individualismo. La eclosión de las escuelas taurinas de Ronda y Sevilla, el auge del bandolerismo y la fascinación por lo andaluz manifestado por los viajeros románticos europeos, fueron conformando el costumbrismo andaluz, que triunfó en la corte madrileña.
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Tras la Guerra de Independencia Española (1808-1812) se desarrolló en la conciencia española un sentimiento de orgullo racial, que contrapone al ilustrado afrancesado la fuerza telúrica del majo, arquetipo del individualismo, la gracia y el casticismo. En ese ambiente triunfa la moda cañí, pues el casticismo ve en el gitano un modelo ideal de ese individualismo. La eclosión de las escuelas taurinas de Ronda y Sevilla, el auge del bandolerismo y la fascinación por lo andaluz manifestado por los viajeros románticos europeos, fueron conformando el costumbrismo andaluz, que triunfó en la corte madrileña.
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sábado, 11 de septiembre de 2010
Orígenes en Cuyo
La profesora María Teresa Carreras de Migliozzi (de la Ciudad de San Luis) en su obra La Tonada en la Provincia de San Luis, hace referencia a los orígenes en Cuyo de esa melodía tradicional y también a sus componentes como son los "melismas" y los "cogollos" que acompañan siempre a cada una de ellas, con lo que se logra involucrar en la interpretación a cada uno de los presentes.
En distintos lugares de la región de Cuyo, se realizan actos o celebraciones en honor de "La Tonada", como himno regional indiscutible.
Cada año en el mes de febrero, en la ciudad cuyana de Tunuyán se celebra el Festival Nacional de la Tonada que convoca a miles de entusiastas de la cultura popular de todo el país.wikipedia
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En distintos lugares de la región de Cuyo, se realizan actos o celebraciones en honor de "La Tonada", como himno regional indiscutible.
Cada año en el mes de febrero, en la ciudad cuyana de Tunuyán se celebra el Festival Nacional de la Tonada que convoca a miles de entusiastas de la cultura popular de todo el país.wikipedia
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Tonada
La Tonada es un género musical; se trata de un conjunto de melodías y cantos dentro del género de la lírica. Se caracteriza por no ser bailada y tener un énfasis en los textos.Normalmente es interpretada por un conjunto de guitarristas que pueden formar dúos u otras asociaciones musicales, acompañándose únicamente con instrumentos de cuerda del tipo de la Guitarra o del Guitarrón, pero nunca de bombos u otros instrumentos que pertenecen al acompañamiento de expresiones musicales de otras regiones. En Venezuela se Interpreta por medio del Cuatro. Existen en Asturias y Cantabria regiones del norte de España, una manera de interpretar tonada al son de una Gaita y también a capella(solo voz). Es muy representativo del folclore del Pricipado de Asturias y de la Comunidad Autonómica de Cantabria.wikipedia
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la historia de la refalosa
Fue muy popular en la zona central de Chile durante el siglo XIX. Pasó hacia Argentina a través de Chile, alrededor de 1835, de allí a los salones y a la campaña cuyanos donde tuvo vigencia hasta 1860 y, más débilmente, a las provincias de Córdoba, Catamarca, Santiago del Estero y Tucumán.
Como género popular ya casi ha desaparecido, tal como se han extinguido otras danzas populares: el rin, la pericona y la sirilla. El nombre se debe al estilo del baile, que básicamente se desarrolla arrastrando los pies hacia adelante y hacia atrás, como refalando.[1] El 17 de julio de 1848 se le hizo un beneficio a José Zapiola, y en el programa figuran nuevas Refalosas, lo que indica su ascensión a los escenarios, a los tabladillos escénicos. Zorobabel Rodríguez, en su "Diccionario de Chilenismos", publicado en 1875, dice que "la Refalosa se bailaba en las chinganas junto a la Cueca" wikipedia
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Como género popular ya casi ha desaparecido, tal como se han extinguido otras danzas populares: el rin, la pericona y la sirilla. El nombre se debe al estilo del baile, que básicamente se desarrolla arrastrando los pies hacia adelante y hacia atrás, como refalando.[1] El 17 de julio de 1848 se le hizo un beneficio a José Zapiola, y en el programa figuran nuevas Refalosas, lo que indica su ascensión a los escenarios, a los tabladillos escénicos. Zorobabel Rodríguez, en su "Diccionario de Chilenismos", publicado en 1875, dice que "la Refalosa se bailaba en las chinganas junto a la Cueca" wikipedia
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jueves, 9 de septiembre de 2010
Formación de led zeppelin y primeros trabajos (1968-1969)
Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un mal chiste de Keith Moon, batería de The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería "como un Zeppelin de Plomo".[3] El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos,[3] ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica.[4] Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: "Hace unos cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estuve hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije "Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar «Led Zeppelin». Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este asunto..." Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió 'Led Zeppelin', a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado".[3] [5] El jefe de producción al que se refiere Entwistle podría ser Richard Cole, futuro "road manager" de la banda. wikipedia
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la musica de led zepeling
Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo,[2] incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos,[2] y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EEUU) de la historia de la música, solo por debajo de The Beatles. Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Box Set (10 millones). wikipedia
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miércoles, 8 de septiembre de 2010
Rasguido doble
El rasguido doble o sobrepaso es un estilo musical y una danza de influencia afroamericana que corresponde al folklore de Argentina y más específicamente de la música litoraleña folklórica. Fue creado en la década de 1940 por el músico correntino Mario Millán Medina, al componer "El rancho 'e la Cambicha" en Goya (Corrientes). Tiene un carácter vivaz y exultante y suele ser confundido con el chamamé, aunque se trata de dos estilos muy diferentes, aún perteneciendo ambos a la música litoraleña. Otro famoso rasguido doble es "Puente Pexoa" de Tránsito Cocomarola y Armando Nelly, compuesto en 1953. wikipedia
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Chamarrita
La chamarrita es un estilo musical folclórico de la música litoraleña, particularmente popularizada en las provincias de Entre Ríos y en parte de Corrientes, en Argentina.
Parece mostrar cierto ingrediente afro y un evidente parentesco rítmico con la milonga.
El musicólogo brasileño Renato Almenida considera que es original de las Islas Azores, donde conserva el nombre de chamarrita. Luego, fue introducida en Brasil por inmigrantes de estas islas y desde allí pasó al litoral argentino y a Uruguay.
En Brasil es conocida como chimirrita, en su doble condición de danza y canto. Jesús López Flores anota el antecedente de la zamarra, danza de baile enlazado, semejante a la milonga.
Vicente Rossi la denomina simarrita y admite el ingrediente afro en su estructura musical.
Su danza es de pareja suelta en conjunto y de movimiento vivo. En ella, las parejas coordinan sus movimientos. wikipedia
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Parece mostrar cierto ingrediente afro y un evidente parentesco rítmico con la milonga.
El musicólogo brasileño Renato Almenida considera que es original de las Islas Azores, donde conserva el nombre de chamarrita. Luego, fue introducida en Brasil por inmigrantes de estas islas y desde allí pasó al litoral argentino y a Uruguay.
En Brasil es conocida como chimirrita, en su doble condición de danza y canto. Jesús López Flores anota el antecedente de la zamarra, danza de baile enlazado, semejante a la milonga.
Vicente Rossi la denomina simarrita y admite el ingrediente afro en su estructura musical.
Su danza es de pareja suelta en conjunto y de movimiento vivo. En ella, las parejas coordinan sus movimientos. wikipedia
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La Guarania en Brasil
Hay dos versiones sobre su introducción en la música popular brasileña. Una, a través de trabajos de pesquisas de Raul Torres, Ariovaldo Pires, Mário Zan y Nhô Pai, en sucesivos viajes a Paraguay. Torres fue responsable de una de las guaranias de mayor suceso en Brasil, "Colcha de retazos", grabada por Cascatinha e Inhana. La misma dupla hizo un megaéxito con otra guarania, "India", de José Asunción Flores y Manuel Ortiz Guerrero, en versión de José Fortuna. A partir de la década de 1940 se tornó en uno de los géneros más utilizados por los compositores de música del Sertao. La otra, que fue a través de los trabajadores "por temporada" de la yerba mate.
No caben dudas que la dupla Cascatinha (Francisco dos Santos, 1919-96) e Inhana (Ana Eufrosina, 1924-81) fueron grandes responsables de su gran aceptación. Y, la guarania ganó mucha popularidad a partir de 1951, con el disco de 78 rpm India (de José Asunción Flores y Manuel Ortiz Guerrero), que traía como segundo tema la canción también paraguaya Mi primer amor (Lejanía, de Herminio Giménez), ambas con transcripción de José Fortuna. wikipedia
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No caben dudas que la dupla Cascatinha (Francisco dos Santos, 1919-96) e Inhana (Ana Eufrosina, 1924-81) fueron grandes responsables de su gran aceptación. Y, la guarania ganó mucha popularidad a partir de 1951, con el disco de 78 rpm India (de José Asunción Flores y Manuel Ortiz Guerrero), que traía como segundo tema la canción también paraguaya Mi primer amor (Lejanía, de Herminio Giménez), ambas con transcripción de José Fortuna. wikipedia
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martes, 7 de septiembre de 2010
tres cuartetos fundamentales de la música folklórica
En 1956 tres cuartetos fundamentales de la música folklórica argentina lanzan sus álbumes iniciales: Éxitos de Los Chalchaleros Vol 1,[69] Los Cantores de Quilla Huasi,[70] y Canciones de cerro y luna de Los Fronterizos.[71] Los Chalchaleros, que habían debutado en 1948 en Salta, no solo incorporaron gran cantidad de temas nuevos al cancionero folclórico popular (Lloraré, Zamba del grillo, Sapo cancionero, etc.), sino que impusieron un estilo musical, a partir de un nuevo modelo de conjunto folclórico básico: cuatro integrantes, con dos barítonos, un tenor y un bajo, que tocan tres guitarras y un bombo.[72]
Los Chalchaleros inspiraron la formación de gran cantidad de conjuntos similares,[73] como Los Cantores de Quilla Huasi (Zamba de la toldería, La compañera), Los Fronterizos (El quiaqueño, Tonada del viejo amor), Los Cantores del Alba (Carpas de Salta), Los Andariegos (El cóndor vuelve), Los de Salta (Flor de lino), Los Tucu Tucu (Zamba de amor y mar, Candombe para José), Los Nocheros de Anta (Zamba para no morir, Canción de lejos), entre muchos otros.
El boom del folklore también permitió la difusión masiva de músicos y cantantes que en muchos casos ya venían actuando en la escena de la música nativa desde varios años antes, como los virtuosos guitarristas Abel Fleury (Estilo pampeano) y Eduardo Falú (Zamba de la Candelaria, La nochera), la cantante Margarita Palacios (Recuerdo de mis valles), el bandoneonista Payo Solá (La marrupeña), el violinista Sixto Palavecino (La ñaupa ñaupa), Rodolfo Polo Giménez (Paisaje de Catamarca, Del tiempo i’mama), Atuto Mercau Soria y Ariel Ramírez, entre muchos otros. Éste último en 1964 grabaría con Los Fronterizos una de las obras culminantes de la música argentina, la Misa Criolla.[74]
En la música litoraleña, en este período también alcanzan el éxito músicos que venían actuando desde los años cuarenta, como Tránsito Cocomarola (Puente Pexoa, Kilómetro 11) —en cuyo homenaje se celebra el Día del Chamamé—,[75] y Tarragó Ros (La guampada y A Curuzú) —conocido como el Rey del Chamamé—,[76] a los que se sumaron figuras nuevas como la notable voz de Ramona Galarza (Merceditas,[77] Pescador y guitarrero, Virgencita de Caacupé, Trasnochados espineles) —llamada la Novia del Paraná.[78] En Entre Ríos, Linares Cardozo realizó una notable obra de preservación del folclore entrerriano, en especial de la chamarrita, además de aportar sus propias obras al cancionero folclórico, como la conocida Canción de cuna costera y Soy entrerriano, considerado el himno de la provincia. wikipedia
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En 1956 Los Chalchaleros lanzan su primer álbum, Éxitos de Los Chalchaleros (volumen 1). Impusieron el cuarteto de tres guitarras y bombo como nuevo tipo de conjunto de música folklórica, inspirando la creación de gran cantidad de grupos de estructura similar.
El boom del folklore también permitió la difusión masiva de músicos y cantantes que en muchos casos ya venían actuando en la escena de la música nativa desde varios años antes, como los virtuosos guitarristas Abel Fleury (Estilo pampeano) y Eduardo Falú (Zamba de la Candelaria, La nochera), la cantante Margarita Palacios (Recuerdo de mis valles), el bandoneonista Payo Solá (La marrupeña), el violinista Sixto Palavecino (La ñaupa ñaupa), Rodolfo Polo Giménez (Paisaje de Catamarca, Del tiempo i’mama), Atuto Mercau Soria y Ariel Ramírez, entre muchos otros. Éste último en 1964 grabaría con Los Fronterizos una de las obras culminantes de la música argentina, la Misa Criolla.[74]
En la música litoraleña, en este período también alcanzan el éxito músicos que venían actuando desde los años cuarenta, como Tránsito Cocomarola (Puente Pexoa, Kilómetro 11) —en cuyo homenaje se celebra el Día del Chamamé—,[75] y Tarragó Ros (La guampada y A Curuzú) —conocido como el Rey del Chamamé—,[76] a los que se sumaron figuras nuevas como la notable voz de Ramona Galarza (Merceditas,[77] Pescador y guitarrero, Virgencita de Caacupé, Trasnochados espineles) —llamada la Novia del Paraná.[78] En Entre Ríos, Linares Cardozo realizó una notable obra de preservación del folclore entrerriano, en especial de la chamarrita, además de aportar sus propias obras al cancionero folclórico, como la conocida Canción de cuna costera y Soy entrerriano, considerado el himno de la provincia. wikipedia
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Polo Giménez
Ese mismo año Polo Giménez se hizo famoso al estrenar su zamba Paisaje de Catamarca, grabada en simple y álbum por el conjunto de Carlos Montbrun Ocampo (Nendivei) —en el que Giménez se desempeñaba como pianista—, y difundido en su popular programa Las Alegres Fiestas Gauchas en Radio Splendid.[64] [65] El propio Polo Giménez en su libro De este lado del recuerdo, relata ese momento así:
Al mismo tiempo, el pergaminense Héctor Roberto Chavero, mejor conocido como Atahualpa Yupanqui (Camino del indio, El arriero, Luna tucumana, Criollita santiagueña, Duerme negrito, Viene clareando, Los ejes de mi carreta), que era perseguido y marginado en Argentina «por comunista y guitarrero»,[66] se radicó en Francia, donde alcanzó un éxito rotundo al cantar con Edith Piaff el 7 de julio de 1950.[67] A raíz de eso al año siguiente, grabaría tres discos simples en la discográfica francesa Le Chant du Monde, en los que se destacó la Baguala de los minores (sic, por mineros),[68] luego retitulada Soy minero, antecedente de la canción de protesta latinoamericana, que se extendería en las siguientes dos décadas. A partir de los años sesenta, «don Ata», como se lo llamaba cariñosamente, será reconocido como máximo exponente de la música folclórica argentina de todos los tiempos. Una chacarera con letra del poeta Miguel Ángel Morelli y música de Mario Álvarez Quiroga, llamada precisamente A don Ata, sintetiza su obra y concluye con el siguiente estribillo:
Ahí anda don Atahualpa por los caminos del mundo,
Con una copla por lanza marcando los cuatro rumbos.
Que Dios lo bendiga, lo tenga en la gloria
por tanto recuerdos lindos y por su memoria. wikipedia
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Todavía la palabra «folklore» era un poco tabú, porque era sinónimo de vino, farras, borracheras de gente de baja categoría.[64]
Atahualpa Yupanqui, perseguido en Argentina, alcanza el éxito en París al actuar junto a Edith Piaff el 7 de julio de 1950.
Ahí anda don Atahualpa por los caminos del mundo,
Con una copla por lanza marcando los cuatro rumbos.
Que Dios lo bendiga, lo tenga en la gloria
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El boom del folklore
En los años cincuenta se produciría el llamado «boom del folklore», un fenómeno de difusión masiva y gusto por la música popular de raíz folclórica que obedeció a múltiples causas:
En 1950 el cantante mendocino Antonio Tormo lanzó, en disco simple de 78 rpm, la canción El rancho 'e la Cambicha, de Mario Millán Medina, creadora del rasguido doble.[62] De la misma se vendieron 5 millones de discos, un récord nunca superado en Argentina, una cantidad que prácticamente implicaba que todos los hogares con tocadiscos habían comprado un ejemplar. Tormo, llamado «el cantor de los cabecitas negras» y reconocido como el «inventor del folklore de masas», sería prohibido por la dictadura autodenominada Revolución Libertadora que derrocó al presidente Perón en 1955. wikipedia
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- la masiva migración, desde los años treinta, hacia Buenos Aires de trabajadores provenientes del llamado «interior» del país, de extracción cultural y étnica diferente de los inmigrantes europeos —mayormente italianos— que habían llegado hasta ese momento, durante siete décadas, y que estaban más ligados al tango;
- la expansión de los medios de comunicación de masas como la radio, el cine y el disco y la aparición de la televisión;
- el proceso de industrialización y urbanización;
- el mejoramiento de las condiciones de vida de una extensa clase asalariada y una amplia clase media y la aparición de una sociedad de consumo.
En 1950 el cantante mendocino Antonio Tormo lanzó, en disco simple de 78 rpm, la canción El rancho 'e la Cambicha, de Mario Millán Medina, creadora del rasguido doble.[62] De la misma se vendieron 5 millones de discos, un récord nunca superado en Argentina, una cantidad que prácticamente implicaba que todos los hogares con tocadiscos habían comprado un ejemplar. Tormo, llamado «el cantor de los cabecitas negras» y reconocido como el «inventor del folklore de masas», sería prohibido por la dictadura autodenominada Revolución Libertadora que derrocó al presidente Perón en 1955. wikipedia
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miércoles, 1 de septiembre de 2010
Emilio Cebrián Ruiz
Emilio Cebrián Ruiz es uno de los mayores exponentes dentro de la música para banda en España. Parte de su obra ha logrado adquirir carácter inmortal, estando presente siempre en el repertorio de infinidad de agrupaciones. Sus pasodobles «Churumbelerías», «Ragón Falez» y «Evocación», y su obra «Una noche en Granada» son muestra de ello.
Pero también desempeñó un papel destacado en el repertorio de marcha procesional, según Mateo Olaya «[...] las marchas procesionales de Emilio Cebrián destacan por una cuidadísima construcción, una vocación especialmente melódica y unos giros llamativos [...]». Estas adquieren su forma durante el tiempo que está al frente de la Banda Municipal de Jaén. «Nuestro Padre Jesús» , marcha compuesta en 1935, y que está dedicada al Nazareno de Jaén, «El Abuelo», reúne todas las condiciones ideales para ser un verdadero modelo, siendo fuente de inspiración para muchos compositores. Hizo suyo el esquema definido por Farfán en 1925 con «La estrella sublime» y que constaba, como se ha mencionado, de introducción, primer tema, fuerte de bajos contundente y trío final, sin la participación de las cornetas, creando una línea distinta.
«Nuestro Padre Jesús» es, sin duda alguna, y con diferencia la marcha más universal en España, estando presente en los atriles de bandas de toda la geografía nacional. Ha sonado, sigue sonando en procesiones de Castilla-La Mancha, Murcia, Andalucía, Extremadura, Madrid, Canarias, etc. Después llegarían «Cristo de la Sangre» en 1941, «Jesús Preso» en 1943 y «Macarena» en 1943. wikipedia
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Pero también desempeñó un papel destacado en el repertorio de marcha procesional, según Mateo Olaya «[...] las marchas procesionales de Emilio Cebrián destacan por una cuidadísima construcción, una vocación especialmente melódica y unos giros llamativos [...]». Estas adquieren su forma durante el tiempo que está al frente de la Banda Municipal de Jaén. «Nuestro Padre Jesús» , marcha compuesta en 1935, y que está dedicada al Nazareno de Jaén, «El Abuelo», reúne todas las condiciones ideales para ser un verdadero modelo, siendo fuente de inspiración para muchos compositores. Hizo suyo el esquema definido por Farfán en 1925 con «La estrella sublime» y que constaba, como se ha mencionado, de introducción, primer tema, fuerte de bajos contundente y trío final, sin la participación de las cornetas, creando una línea distinta.
«Nuestro Padre Jesús» es, sin duda alguna, y con diferencia la marcha más universal en España, estando presente en los atriles de bandas de toda la geografía nacional. Ha sonado, sigue sonando en procesiones de Castilla-La Mancha, Murcia, Andalucía, Extremadura, Madrid, Canarias, etc. Después llegarían «Cristo de la Sangre» en 1941, «Jesús Preso» en 1943 y «Macarena» en 1943. wikipedia
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Guerra y postguerra
La crisis que conlleva la Guerra Civil Española también se hace presente en todo lo que concierne a las cofradías, afectando, lógicamente, a la música procesional. Muchos son los compositores que pasan por malos momentos. Manuel Font y de Anta encuentra la muerte a muy temprana edad, muchas bandas subsisten de forma muy precaria, algunas cofradías dejan de procesionar, desciende el número de composiciones de marchas procesionales, y las que ven la luz, presentan melodías dramáticas. «VI Dolor» de Manuel Borrego Hernández, junto a alguna obra de Farfán, son testimonios vivos del periodo.
Con la postguerra, poco a poco se vuelve a la normalidad, y el arte al servicio de las cofradías, donde no podía faltar la música, se recupera. Entra en escena la llamada generación de la postguerra, y en ciudades como Córdoba, Jerez de la Frontera y Granada aparecen músicos que logran superar el difícil momento y dedican a las imágenes sagradas sus melodías. Entre ellos nombres como el de Antonio Pantión Pérez, compositor de «Jesús de las Penas» en 1943, el ya mencionado Manuel Borrego Hernández, Francisco Melguizo Fernández, Enrique Báez Centella, Rafael Márquez Galindo, Germán Álvarez Beigbeder, Emilio Cebrián Ruiz, Pedro Gámez Laserna, Pedro Braña Martínez o Jaime Texidor. wikipedia
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Con la postguerra, poco a poco se vuelve a la normalidad, y el arte al servicio de las cofradías, donde no podía faltar la música, se recupera. Entra en escena la llamada generación de la postguerra, y en ciudades como Córdoba, Jerez de la Frontera y Granada aparecen músicos que logran superar el difícil momento y dedican a las imágenes sagradas sus melodías. Entre ellos nombres como el de Antonio Pantión Pérez, compositor de «Jesús de las Penas» en 1943, el ya mencionado Manuel Borrego Hernández, Francisco Melguizo Fernández, Enrique Báez Centella, Rafael Márquez Galindo, Germán Álvarez Beigbeder, Emilio Cebrián Ruiz, Pedro Gámez Laserna, Pedro Braña Martínez o Jaime Texidor. wikipedia
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marchas en Cartagena
Cartagena merece, como ciudad, un lugar destacado en la historia de la marcha procesional, ya que ha sido testigo de grandes momentos para la música para banda en España. En esta ciudad se produjo el estreno del pasodoble «Suspiros de España» obra del Maestro Antonio Álvarez Alonso, estando al frente de la Banda de la Infantería Marina, el músico Ramón Roig Torné.
La Piedad, Semana Santa de Cartagena.Fueron ellos, Roig Torné y la Banda de la Infantería Marina, junto a otros muchos compositores que pusieron su genio creativo al servicio de la Semana Santa, quienes dieron forma a la música procesional de Cartagena en concreto, y, por extensión, de toda la provincia de Murcia. Así, se pueden citar la marcha fúnebre titulada «Marcha lenta» de Jerónimo Olivar, o «La Agonía» de Alfredo Javaloyes, así como la obra «Primera caída» del propio Ramón Roig Torné, entre otras muchas. wikipedia
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La Piedad, Semana Santa de Cartagena.cursos de guitarra electrica
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Manuel López Farfán
Manuel López Farfán marcó una época en la historia de la marcha procesional a partir de los años 20 del siglo XX, estando al frente de la Banda del Soria 9. Así, en marchas como «Nuestra Señora del Mayor Dolor» de 1927, «La Virgen en sus lágrimas», compuesta en 1926, o «La Victoria de María» del año 1921 se hace presente unos amplios pasajes en los que las tubas cobran gran protagonismo. Pero, 1924 y 1925, tienen gran importancia dentro de su historia compositiva porque en ellos ven la luz dos marchas insignias de la Semana Santa andaluza: «Pasan los campanilleros» y «La estrella sublime». También destacan «La Esperanza de Triana» y «El Dulce Nombre» wikipedia
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martes, 31 de agosto de 2010
biografia Mohamed Rouicha
Nacido de una familia modesta, dejó la escuela "Dyour Chiouks" de Khénifra a los once años, para entregarse al arte de la canción a los catorce años, donde se lanzó a la interpretación de la canción tradicional amazighe y ya produce el primer disco con la colaboración de la cadena de televisión SNRT. wikipedia
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Mohamed Rouicha
Mohamed Ohamed Rouicha (en àrabe: محمد رويشة) nació en el 1950 en Jenifra, Marruecos. Cantante amazigh, especialista del loutar cuya fama sobrepasó la ciudad pequeña de Khenifra, donde desarrolló una pasión para la música desde su infancia. Actualmente vive en la dicha cuidad, en una gran casa, y esta casado y tiene cuatro hijos, y el mayor se llama ahmad llah, que su tradicción literal al español es (GRACIAS A ALLAH), este dicho hijo sigue los mismos pasos y su padre. wikipedia
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Sofia Marikh
Nacida en Casablanca, la separación de sus padres lleva a Sofia a vivir con su madre y su hermano mayor en Marrakech, aunque realiza visitas esporádicas a su padre y hermanas en su ciudad natal. Desde bien pequeña, Sofia aparece en varios anuncios que hacen de ella una modelo solicitada en su país y en Francia. En 1997, a la edad de 15 años, participa en la película francesa Soleil, que protagoniza Sofia Loren.
Sin embargo su salto a la fama no se produce hasta principios del año 2004, como resultado de su paso por la primera edición de Star Academy LBC, la adaptación para el mundo árabe de Operación Triunfo, que tiene lugar en el Líbano. Elegida por casualidad, ya que Sofia simplemente acompañaba a una amiga a las audiciones, logra entrar entre los 8 finalistas, quedando en sexto lugar. El éxito del programa y de la gira de los ocho finalistas por varios países del mundo árabe hacen que el rostro de Sofia se vuelva popular y aparezca en diversos medios y revistas en Oriente Medio y en su país, Marruecos. wikipedia
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Sin embargo su salto a la fama no se produce hasta principios del año 2004, como resultado de su paso por la primera edición de Star Academy LBC, la adaptación para el mundo árabe de Operación Triunfo, que tiene lugar en el Líbano. Elegida por casualidad, ya que Sofia simplemente acompañaba a una amiga a las audiciones, logra entrar entre los 8 finalistas, quedando en sexto lugar. El éxito del programa y de la gira de los ocho finalistas por varios países del mundo árabe hacen que el rostro de Sofia se vuelva popular y aparezca en diversos medios y revistas en Oriente Medio y en su país, Marruecos. wikipedia
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